Trio for Piano, Violin and Cello in D major, Op.1
코른골트 / 피아노 3중주 D장조
Erich Wolfgang Korngold 1897~1957
Suite for 2 violins, cello and piano left hand, op. 23
(두 대의 바이올린, 첼로와 피아노 왼손을 위한 모음곡집, 작품 23)
1. Proeludium und Fugue
2. Walzer
3. Grotesque
4. Lied
5. Rondo
Suite op. 23 for 2 violins, cello and piano (left hand) 4. Lied
Liviu Prunaru and Valentina Svyatlovskaya (violins),
Marie-Stephanie Janacek (cello), Antoine Rebstein (piano)
Suite op. 23 for 2 violins, cello and piano (left hand) 3. Grotesque
Paul Coker (piano), Katia Trabé, Domingo Garcia Hindoyan (violins), Lionel Cottet (cello)
Public concert in Geneva, Switzerland, March 2011
Greatest Movie Hits
에리히 볼프강 코른골드 Erich Wolfgang Korngold
(1897.5.29 브르노 - 1957.11.29 할리우드)
오스트리아 - 헝가리 태생의 작곡가이지만 1943년 미국에 귀화하여 미국 시민이 되었다. 유명한 음악비평가의 아들로 태어난 코른골트는 보기 드문 천재중의 한 사람이었다. 10세가 되던 해 칸타타 <황금>을 작곡해서 말러에게 보여주었고, 이 천재에게 경악한 말러는 쳄린스키에게 교육을 주선했다. 1910년에는 그가 11세때 만든 발레음악 <눈사람>이 빈 궁정가극장에서 초연되어 파문을 일으켰다. 이 해에 작곡한 <피아노 소나타 제2번>은 당대의 피아니스트 아르투루 슈나벨이 유럽 순회연주의 레퍼토리로 삼을 정도였다.
1916년엔 그가 만든 두 개의 오페라 <폴리크라테스의 반지>와 <비올란타>가 뮌헨에서 상연되었다. 그의 명성은 20세 때 작곡한 오페라 <죽음의 도시>가 1920년 쾰른과 함부르크에서 초연되면서 절정에 달했다. 1930년엔 빈 국립음악원에서 오레라를 강의했다. 그러나 나치에 의해 격하당한 그는 1934년에 막스 라인하르트를 쫓아 미국 헐리우드로 가서 영화음악에 매달렸고 두 번의 오스카 상도 수상했다. 후기 낭만주의적 영감으로 풍부한 멜로디 라인을 선보이던 코른골트의 음악은 영화음악과 관계하면서 홀대를 받았으나 현대에 들어서 급격히 재조명되고 있다.
코른골트가 태어난 브르노
에리히 볼프강 코른골트(Erich Wolfgang Korngold)는 1897년 5월 29일 당시 오스트리아에 속해 있던 브룬(브르노)에서 태어났다. 그의 아버지 율리우스 코른골트(Julius Korngold)는 그가 가장 존경하는 슈만과 모차르트의 이름을 두 아들에게 붙였다. 로베르트를 미들 네임으로 가진 형 한스는, 아버지의 관심이 신동인 에리히에게 온통 쏠렸던 탓인지, 도박에 빠져 의미없는 삶을 꾸려 갔다고 한다.
율리우스는 원래 법률가였지만, 음악평론을 하다가 브람스의 교향곡 제4번을 높게 평가한 글로 한슬릭의 관심을 끌게 되었고, 결국 한슬릭의 뒤를 이어 당시 가장 영향력있는 신문인 『노이에 프라이에 프레제』(Neue Freie Presse)에서 1902년부터 1934년까지 음악평론을 맡게 된다. 이러한 아버지의 위치로 말미암아 에리히의 초년 시절 작품 활동은 논란과 가십을 유발시켰다. 아버지의 적(敵)은 대부분 아들의 적이 되었고, 아들의 작품에 비판적인 음악가들에 대하여 율리우스 코른골트는 평론가로서의 객관성보다는 아버지의 사랑을 앞세워 대응하곤 했다.
그러다보니 에리히의 작품이 원래는 아버지의 작품이라느니, 아버지의 후광으로 각광받게 되었다는 식의 여러 가지 구설수들이 어지럽게 떠돌았다. 예를 들어 아르투르 슈나벨은 코른골트의 피아노 소나타 제2번을 높게 평가하였는데도, 세간에서는 그와 그의 제자 사이의 가상 대화―“에리히의 소나타가 그렇게 훌륭합니까?”라고 제자가 묻자 슈나벨이 “아니야, 그의 아버지가 그래”라고 대답하였다는 식의―까지 만들어 퍼트릴 정도였으니 얼마나 말이 많았는지 짐작할만하다. 그러나 에리히의 작품이 훌륭하다는 점은 율리우스의 영향력이 전혀 미치지 않는 다른 나라들에서 받은 열렬한 격찬으로 충분히 증명되곤 하였다. 에리히의 작품은 발표될 때마다 센세이션을 일으켰다.
에리히는 세 살 때 박자를 세기 시작해서 다섯 살 때는 아버지와 피아노 연탄을 하였고 한번 들은 멜로디를 완벽히 재생해내는 재능을 보였다. 일곱살 때에는 작곡을 시작하였다. 아홉 살인 에리히를 만난 구스타프 말러는 “천재”라고 단언하였고, 알렉산더 폰 젬린스키(Alexander von Zemlinsky)를 스승으로 추천하였다. 특이한 인연이다. 세 사람 모두 잊혀졌다가 말러가 60년대부터, 코른골트가 70년대부터, 젬린스키가 80년대부터 각광받기 시작하면서 르네상스를 맞이하고 있기 때문이다.
에리히는 11살 때 발레 판토마임을 위한 음악 <눈사람>을 작곡한다. 이미 코른골트의 모든 특징이 드러나고 있는 이 사랑스러운 작품은 큰 성공을 거둔다. 아버지의 작품이라는 소문이 퍼질 정도로 곡의 완성도는 높았다. 1910년 비인 오페라 하우스에서 초연될 때는 젬린스키가 오케스트레이션하였고, 1913년 에리히가 다시 오케스트레이션하였다.
물론 코른골트는 전통을 전복하지는 않았지만, 그의 천재성이 당대의 음악가들에게 얼마나 충격을 주었는지 잘 나타나는 글이다. 바이올린과 피아노를 위한 소나타 작품 6은 슈나벨과 플레슈에 의하여 1913년 베를린에서 초연되어 찬사를 받았다. 신포니에타의 초연은 1913년 11월 비인에서 바인가르트너의 지휘로 이루어졌다. 베를린에서는 다음해 2월 9일 니키쉬의 지휘로 이 곡이 연주되었는데, 마침 연주회에 참석하였던 시벨리우스는 “코른골트는 젊은 독수리이다”라고 일기장에 썼다.
코른골트는 열살 때 읽었던 하인리히 테웰레스의 ‘폴리크라테스의 반지’를 토대로 1913년부터 오페라를 구상하여 1914년 곡을 완성하였다. 행복한 부부와 그 사이를 훼방하는 못된 친구 사이에 벌어지는 소동을 그린 이 1막의 짧은 코믹 오페라에서 특히 주목할 부분은 관현악의 풍부한 표현력이다. 다음해에는 ‘비올란타’(Violanta)가 작곡되었다. 이 작품을 두고는 관능적인 소재를 어떻게 어린 작곡가가 그처럼 탁월하게 다룰 수 있는지가 화제가 되기도 하였다. 그러나 코른골트가 어려서부터 고금의 문학과 음악에 관한 지식이 풍부하였다는 점을 생각하면 전혀 이상한 일이 아닐 것이다. 코른골트는 지적이면서도 소박함을 지닌 드문 인격의 소유자였는데, 이는 그의 음악에 그대로 반영되어 있다.
코른골트는 1차 대전 중인 1916년에 입대하였다. 물론 전투활동이 아니라 음악으로 군의 사기를 앙양하였다. 1917년은 코른골트의 인생에서 중요한 해이다. 평생의 반려자인 루이제(Luise von Sonnenthal)를 만나 사랑에 빠진 것이다. 코른골트가 루지(Luzi)라는 애칭으로 불렀던 그녀는 당시 비인에서 손꼽히는 미인이었고 그림, 피아노, 성악, 연기에 뛰어난 재능을 가지고 있었다. 그녀는 연인이고 친구였으며 음악적 재능까지 가진 완벽한 동반자로서 평생 동안 남편을 존경하고 내조하였으며 코른골트도 마음 속 깊숙이 그녀를 사랑하였다. 코른골트가 죽은 뒤 루이제는 “나와 에리히 코른골트의 우정이 시작된 순간부터 이 영원한 친구를 잃은 마지막 순간까지 내 인생은 한 편의 길고 행복한 러브 스토리였다”라고 회상하였는데, 코른골트의 음악을 들으면 누구든 이 말을 믿지 않을 수 없을 것이다. 코른골트가 작곡한 셰익스피어의 희곡 ‘헛소동’의 부수음악에는 당시 사랑에 빠진 천재의 감성이 아름답게 나타나고 있다. 특히 ‘정원의 정경’(Garden Scene)은 하이페츠를 비롯하여 여러 바이올리니스트들이 즐겨 연주하던 소품이다.
코른골트의 가장 유명한 오페라 ‘죽음의 도시’(Die tote Stadt)는 1916년에 시작되어 1차 세계대전이 끝난 다음인 1920년에 완성되었다. 공포, 죽음으로 가득찬 내용 속에서 코른골트는 삶의 아름다움을 끌어내는 그다운 접근법으로 탐미적인 오페라를 만들어냈다. 여기서 코른골트가 보여준 독창적 관현악법은 경이로운 것이었다. 이 작품은 오늘날까지 가장 많이 공연되고 사랑받는 코른골트의 오페라가 되었다. 이 오페라에 감탄한 푸치니는 코른골트야말로 독일 현대 음악의 가장 위대한 희망이라고 말하기도 하였다. 리하르트 슈트라우스에게 헌정된 교향시 ‘수르숨 코다’(Sursum Corda)는 전쟁의 공포에서 벗어나려는 듯이 삶을 긍정하는 에너지가 가득차있는 곡이다. 특이하게도 초연 당시엔 난해한 현대음악이라며 거부하는 반응이 지배적이었다고 한다. 이 곡의 주제는 뒷날 ‘로빈 훗의 모험’에서 다시 사용되어 유명해졌다.
1921년 쇤베르크는 음렬주의 기법을 본격적으로 세상에 소개한다. 지지파와 반대파의 전선이 형성되었다. 쇤베르크를 지지하던 국제 신음악 협회는 당시 첨단을 걷는 작곡가로 여겨지던 코른골트에게 신음악에 합류하기를 권유한다. 코른골트는 아버지 때문이 아니라 자신의 양심에 기초하여 이를 거절하였고, 그 이후 그는 구식 작곡가로 낙인찍히게 된다. 작곡가 한스 갈(Hans Gal)이 코른골트의 전기작가 브렌던 캐롤과의 1985년 인터뷰에서 “우리는 이들의 실험을 단지 실험으로만 간주하였다. 쇤베르크는 편집광이었다고 말할 수 있다. 내 생각에 그는 그 자신이 전통 안에서 독창적인 목소리를 얻을 수 없었기 때문에 과거를 파괴하였다. 그는 바그너의 영향을 주로 받고 있었고 그것을 뒤흔들 수가 없었기에 그 자신의 시스템을 만들어냈다. 반면에 내가 아주 많이 경탄해하던 코른골트는…자신만의 목소리를 확립하였다…”라고 한 말은, 독설에도 불구하고, 깊이 음미할만하다.
1923년을 전후로 나눠 코른골트의 작품목록을 살펴 보면, 콘서트/오페라 작품들 중 상당수가 부모님과 함께 살면서 생계에 구애받지 않았던 1923년 이전에 작곡되었음을 알 수 있다. 혼인 후 코른골트에게 절실했던 것은 경제적 자립이었다. 1차 세계대전 뒤 인플레에 시달린 오스트리아에서 살면서 그는 수입이 되지 못하는 작곡 대신 ‘돈이 되는’ 공연 분야에 매달려야만 했다. 오페레타 편곡, 지휘, 그리고 교직 등으로 안정된 수입은 보장되었지만, 작품 수는 현저히 줄어들었다.
늘 음악이 떠올라 엑셀과 브레이크를 피아노 페달로 착각할 정도여서 운전을 배우지 못했다는 천재가 생계 때문에 작곡을 할 수 없었다는 것은 음악사의 큰 손실이 아닐 수 없다(여기서 ‘상주 작곡가’ 제도를 두고 재정적인 지원을 하여야 할 이유를 확인할 수 있다. 우리는 위대한 작곡가들의 작품을 거저 들으려고만 하는 것은 아닌가). 4개의 교향곡을 작곡하려고 했던 그의 계획은 끝내 실현되지 못하였다. 그의 유일한 교향곡을 듣고 있노라면, 정말이지, 안타까움을 금할 수 없다. 1923년부터 시작된 네번째 오페라 ‘헬리아네의 기적(경이)’(Das Wunder der Heliane)은 1927년에 완성되었다. 코른골트 자신이 최고걸작으로 생각한 이 밀교적(密敎的) 오페라에서 표현의 한계는 극한까지 확장된다.
코른골트는 1929년에 알게 된 연출자 막스 라인하르트(Max Reinhardt)와 함께 요한 슈트라우스의 오페레타들을 편곡하는 데에 많은 시간을 쏟았다. 이 중에는 뒷날 미국에서 ‘그레이트 왈츠’로 유명해진 작품도 있다. 라인하르트와의 만남은 코른골트 자신뿐만 아니라 가족 전체의 운명을 결정하는 중요한 계기가 된다. 1934년 워너 브라더스의 초청으로 ‘한 여름 밤의 꿈’을 감독하게 된 라인하르트는 코른골트에게 음악을 맡아달라고 제의하였다. 이를 받아들인 코른골트는 1934년 아내와 두 아들을 데리고 미국 땅을 밟게 된다. 이때 생긴 인연이 뒷날 나치의 마수로부터 벗어나는 열쇠가 될 줄이야 당시로서는 그 누구도 상상하지 못했을 것이다.
1년여에 걸쳐 작업을 마친 코른골트는 비인에 돌아와 3막의 오페라 ‘카트린’(Die Kathrin)를 작곡하였다. 네 달 뒤에 다시 헐리웃에 가서 영화 몇 편의 일부 음악을 맡았는데, 특히 ‘캡틴 블러드’(Captain Blood)는 큰 성공을 거두었다. 남부 흑인 아이의 눈으로 본 성서의 세계를 그렸다는 ‘푸른 초원’(Green Pastures, 1936)에서는 ‘창조’와 ‘대홍수’ 장면을 위한 음악을 썼다.
1936년 작품 ‘안소니 어드버스’(Anthony Adverse)는 영화음악사에서 기념비적인 작품이다. 코른골트는 이 대작을 위하여 '가사없는 오페라'라고 할만한 상호 유기적인 음악을 썼다. 여기 쓰인 주제 중 일부는 바이올린 협주곡이나 교향곡에서 다시 사용되기도 할 정도였으니 그가 쏟은 정열이 어느 정도였을지 짐작이 간다. 이 음악으로 아카데미상을 수상하였다. 이어 ‘또 다른 여명’(Another Dawn)이나 ‘왕자와 거지’가 작곡되었다.
코른골트는 1937년 비인에 돌아와 ‘카트린’(Die Kathrin)의 공연을 준비한다. 그러나 나치의 발흥으로 달라진 정치 환경에서 유대인 작곡가에게 기회는 없었다. 연기를 거듭하던 공연은 결국 금지 당하고 만다. 당시 많은 유대인들이 설마, 설마 하면서 미루다가 무고하게 학살되었던 점에서 짐작할 수 있듯이 정치에 관심없던 코른골트가 완벽한 창작무대이자 진정 사랑한 도시였던 비인을 떠날 생각을 하기는 쉽지 않았을 것이다. 그러나 영화음악을 작곡해달라는 워너 브라더스의 유혹과, 친구들의 강력한 미국행 권고에 더하여 운명적인 일이 일어났다. 둘째 아들 게오르크(뒷날 영어식으로 이름을 바꿔 유명한 레코딩 프로듀서가 된 조지)가 마침 앓게 되었는데, 기후가 따뜻한 곳(캘리포니아)에서 요양하여야 한다는 의사의 권유가 있었던 것. 결국 코른골트는 미국행을 결심한다. 나치가 오스트리아를 합병하기 바로 전에 그는 부모님을 포함한 모든 가족들이 캘리포니아로 향한다. 삶과 죽음이 운명적으로 갈라지는 순간에 모든 것이 그야말로 기적적으로 절묘하게 맞아 들어간 것.
새로운 대륙은 코른골트를 따뜻하게 맞아주었고 그는 최고의 대우를 받으며 영화음악을 작곡하였다. 1938년 2월 워너 브러더스는 영화 ‘로빈훗의 모험’의 음악을 맡아달라고 설득한다. 거절하던 코른골트는 오스트리아가 독일과 병합되었다는 소식을 듣고는 곧 마음을 바꾼다. 시간의 제약으로 말미암아 교향시 ‘수르숨 코르다’의 여러 부분을 원용하였지만, 결과는 성공이었다. 이 영화음악으로 그는 두번째 아카데미상을 받았다. 초연에서 난해하다는 이유로 환영받지 못했던 교향시가 미국 영화음악사의 걸작으로 화려하게 부활한 셈이다.
영화음악을 시작한 1934년부터 코른골트는 콘서트 음악을 별로 쓰지 않았는데, 제2차 세계대전이 발발한 1939년부터 전쟁이 끝날 때까지는 아예 영화음악 외에는 달리 창작활동을 하지 않았다. ‘Juarez'(1939), 엘리저베스와 에섹스의 사생활(1939), ‘The Sea Hawk’(1940), ‘The Sea Wolf’(1941), ‘Kings Row’(1942), ‘The Constant Nymph’(1943), ‘두 세상 사이에서’(1944), ‘인간의 굴레’1945), ‘Escape Me Never’(1946), ‘기망’(1947)에 이르기까지, 수는 적지만 걸작의 반열에 드는 일급의 영화음악을 작곡하였다. 당시 함께 워너 브러더스에서 일했던 막스 슈타이너(Max Steiner. ‘바람과 함께 사라지다’의 작곡가)가 코른골트와 나눈 말은 인구에 널리 회자되고 있다.
막스 : 에리히, 생각해보았는데요. 우리가 워너에서 일한지 10년이나 되었는데, 내 작품은 갈수록 좋아지고 당신 작품은 점점 나빠지네요.
에리히 : 친애하는 막스, 왜 그런지 말해줄까. 나는 당신 것에서 훔치고 당신은 내 것에서 훔치기 때문이야.
1945년 아버지 율리우스 코른골트가 세상을 떠났다. 아들이 영화음악을 작곡하는 것에 반대하고 심히 우려하던 아버지의 죽음은 코른골트 자신에게도 위기의식을 갖게 했을 것이다. 1946년 워너와의 계약을 갱신하지 않은 코른골트는 “다음달 5월이면 쉰살이다. 쉰이란 나이는 신동에게는 너무 많은 나이이다. 남은 생애를 헐리우드 작곡가로 남기를 원하지 않는다면 결단을 내려야한다”라고 말했다. 코른골트가 워너 브라더스 사를 떠나기 바로 전에 제작자 헨리 블랭크와 나눈 아래 대화는 코른골트의 유머 감각과 아울러 그가 영화라는 매체에 대하여 가진 심경의 변화를 상징적으로 보여주고 있다.
블랭크 : 에리히, 당신이 처음 우리에게 왔을 때는 흥미진진하고 쾌활하고 폭발적이던 당신 음악이 지금 와서는 처음 같지는 않아요.
코른골트 : 처음 이곳에 왔을 때는 대사를 이해못했는데, 지금은 이해하게 되었거든.
코른골트는 아버지의 권유를 받아들여 영화음악의 주제를 모아 바이올린 협주곡을 작곡하였다. 이 아름다운 곡은 하이페츠에 의해 초연되어 지금은 표준 레퍼토리로 정착되고 있다.
코른골트는 1949년 비인에 돌아왔다. 1년 동안 그 곳에 머물면서 옛 명성과 활동 무대를 되찾고자 하였지만, 23년여 동안 단절된 시간을 돌릴 수는 없었다. 비인은 더 이상 코른골트를 위한 도시가 아니었다. 조성음악과 낭만주의의 전통이 사라진 ‘죽음의 도시’였다. 1950년 비인에서 막을 올린 ‘카트린’은 불과 6차례의 공연만에 막을 내려야 했다. 다시 올린 ‘죽음의 도시’도 실패하였다. 코른골트는 시대착오적인 구식 작곡가로 취급되었고, 나치에 의하여 찍힌 ‘타락한 음악가’라는 낙인이 이번에는 영화음악을 작곡하였다는 이유로 다시 부여되었다. 영화음악을 무조건 폄하하는 어리석은 평론가들과 음악인들, 부화뇌동하는 청중들이 대세를 차지하면서 코른골트는 음악사와는 무관한 인물인 것처럼 빠르게 잊혀지기 시작하였다.
1952년 완성된 유일한 교향곡에 극도로 어두운 정서가 담긴 것은, 코른골트가 사랑하고 자신의 일부처럼 사랑하였던 도시로부터 버림받은 상실감, 자신의 재능이 완전히 개화하고 인정받지 못했다는 좌절감이 악상에 반영된 탓이리라. 그러나 이 비극적인 음악 속에서도 코른골트는 희망을 노래하였고 마지막 악장의 종결음은 그 어떤 음악보다 강하게 삶을 긍정하는 메시지를 담고 있다.
1956년 겨울부터 뇌일혈로 고통을 받던 에리히 볼프강 코른골트는 1957년 11월 29일 세상을 떠났다. 그 다음날 비인 오페라 하우스는 애도의 전통에 따라 조기를 게양하였다. 그 소식을 들은 루이제는 조용히 말했다. “조금 늦었어”
루이제는 5년 정도를 더 살았지만, 불행히도 곧 다가올 코른골트 르네상스를 보지는 못했다. 아이러니하게도 코른골트 르네상스는 영화음악에 대한 재평가에서부터 시작되었다.
코른골트 음악의 매력은 탐미적인 관능성과 해맑은 순수함이 행복하게 결합된 가운데 깊게 울리는 인간적 따뜻함에 있을 것이다. 이 경이로운 따뜻함은 외형적 기법으로는 닮은 점이 있는 리하르트 슈트라우스와 코른골트를 가르는 분수령이 될 것이다. 공기처럼 가볍고 단순한듯한 멜로디와 화성, 리듬 속에 숨은 무궁무진한 도취적 아름다움에 한 번 빠져들면 다른 대안이 없다. 코른골트는 미성숙의 신동이 아니라 삶의 마지막 순간까지 완벽한 천재였다. 그가 남긴 모든 작품 속에 그의 천재성은 완벽하게 구현되고 있다.
영화음악사에서 코른골트가 차지하는 위치는 특이하다. 그가 작곡한 영화음악의 수는 많지 않다. 그러나 모든 작품에서 그는 ‘가사 없는 오페라’(opera without words)라는 원칙에 따라 작곡하였다. 배우들의 대사는 오페라의 가사처럼 음악과 완벽하게 통합되었다. 무엇보다 뛰어난 대목은 음악 전체의 구조적 통일이다. 영화를 제작하면서 음악의 구조적 완결성을 미리 염두에 두는 경우는 거의 없기 때문에 영화음악이 처음부터 끝까지 유기적 연결이라든가 구조적 일관성을 갖기란 쉽지 않다. 그러나 코른골트만은 예외이다. 그의 음악은 장면별로 파편화되지 않는다. 앞의 음악은 뒤의 음악에 자연스럽게 이어지고 발전하며 확장해간다. 이러한 구조적 통일은 소수의 뛰어난 영화음악에서만 발견되는 특징인데, 코른골트 외에 이러한 면모를 가장 잘 보인 작곡가로는 허만과 로자 정도만 떠오른다. 그러나 코른골트처럼 단 하나의 음표까지 완벽히 통합해낸 작곡가는 영화음악사에서 달리 찾기 어렵다.
‘우리 생애 최고의 해’로 아카데미상을 받은 영화음악의 거장 휴고 프리드호퍼(Hugo Friedhofer)가 “솔직히 말해 우리 모두는 코른골트로부터 영향받고 있다”라고 한 말은 정곡을 찌르고 있다. 코른골트의 영화음악 속에 이미 앞으로 발전해갈 장르의 모든 규칙과 예술성이 총괄되어 있었던 것이다. 지휘자 존 마우체리(John Mauceri)는 1930년대 후반에서 1940년대에 코른골트, 슈타이너 등의 후기 낭만주의 영화음악을 듣고 성장한 세대가 콘서트에 참여하기 시작한 60년대부터 말러 열풍이 불었다는 점을 예로 들면서 서양 클래식 음악의 전통이 영화음악을 통하여 계승-발전하고 있다는 흥미로운 가설을 내놓은 일이 있다. 영화음악이 공포를 묘사할 때에는 무조음악을 사용함으로써 그 청중까지 만들어 주었다는 조크도 덧붙여. 아닌게 아니라 우리가 처음 교향악, 특히 동시대 작곡가의 관현악곡을 접하는 장소는 연주회장이라기보다는 주로 영화관이 아닌가. 코른골트 르네상스가 영화음악 장르에서 시작된 것은 우연이 아니었던 것이다.
코른골트는 ‘퇴폐음악’과 그렇지 않은 음악이라는 이분법적 낙인의 피해자가 되어 구대륙에서 신대륙으로 망명하였다. 그러나 이분법적 낙인은 거기서 그치지 않았다. 콘서트 음악과 영화음악 사이를 넘나 들었다는 이유만으로 ‘순수’ 음악계에서는 ‘헐리우드 작곡가’로 폄하되었다. 낭만주의와 모더니즘 사이에서 모더니즘을 선택하지 않았으니 시대착오라는 이유로 음악사에서 망각되기도 하였다. 자신이 가장 좋아하였다는 영화의 제목처럼 그는 ‘두 세상 사이에서’ 터무니없는 선택을 강요받으며 힘겹게 살았던 것이다. 그럼에도 불구하고 그의 음악에 변함없이 흐르는 깊은 따뜻함은 삶에 지친 우리들의 영혼을 위로하면서 진정한 예술의 힘이 무엇인지를 감동적으로 보여준다.
1940년대의 코른골트
코른골트가 세상을 떠난지 15년후인 1972년 RCA Victor는 ‘The Sea Hawk'라는 타이틀의 LP를 발간했다. 코른골트의 영화음악만을 발췌하여 수록한 음반이었다. 샤를르 게르하르트(Charles Gerhardt)가 지휘하였으며 코른골트의 아들인 조지(George)가 제작감독을 맡았다. 이후 코른골트의 오페라, 협주곡, 교향곡 등에 대한 음반이 나오기 시작하여 그에 대한 새로운 인식을 갖게 해주었다. 코른골트는 6편의 오페라, 12편의 오페레타 편곡, 24편의 사운드 트랙을 작곡하였다.
코른골트의 오페라 : Der Ring des Polykrates(1916), Violanta(1916), Die tote Stadt(1920), Das Wunder der Heliane(1927), Die Kathrin(1939), Die stumme Serenade(1954)
코른골트의 영화음악(필름 사운드트랙) : A Midsummer Night's Dream(1935), Captain Blood(1935), Give Us This Night(1936), Hearts Divided(1936), The Green Pastures(1936), Anthony Advers(1936), The Prince And The Pauper(1937), Another Dawn(1937), The Adventure of Robin Hood(1938), Juarez(1939), The Private Lives of Elisabeth and Essex(1939), The Sea Hawk(1940), The Sea Wolf(1941), King's Row(1942), The Constant Nymph(1943), Between Two Worlds(1944), Devotion(1946), Of Human Bondage(1946), Deception(1946), Escape Me Never(1947), The Magic Fire(1956)(after Ricard Wagner)
오페레타 편곡
Eine Nacht in Venedig (A Night in Venice), Johann Strauss II (1923)
Cagliostro in Wien (Cagliostro in Vienna), Johann Strauss II (1927)
Rosen aus Florida (Roses from Florida), Leo Fall (1929)
Die Fledermaus (The Bat), Johann Strauss II (1929)
Walzer aus Wien (Waltzes from Vienna), Family Strauss (1930)
Die schöne Helena (The Beautiful Helena), Jacques Offenbach (1931)
Das Lied der Liebe (The Song of Love), Johann Strauss II (1931)
Die geschiedene Frau (The divorced Woman), Leo Fall (1933)
Rosalinda (= Die Fledermaus), Johann Strauss II (1942)
Helen Goes to Troy (=La belle Hélène) Jacques Offenbach (1944)
The Great Waltz (= Walzer aus Wien), Johann Strauss II (1949)