슈베르트(Schubert)
(1797~1828/오스트리아)
String Quartet No. 14 in D Minor ‘Death and the Maiden’
The String Quartet No. 14 in D minor, known as Death and the Maiden, by Franz Schubert,
is one of the pillars of the chamber music repertoire. Composed in 1824, after the composer suffered through a serious illness and realized that he was dying, it is Schubert's testament to death.
The quartet is named for the theme of the second movement, which Schubert took from a song he wrote in 1817 of the same title; but the theme of death is palpable in all four movements of the quartet.
The quartet was first played in 1826 in a private home, and was not published until 1831, three years after Schubert's death. Yet, passed over in his lifetime, the quartet has become a staple of the quartet repertoire. It is D 810 in Otto Erich Deutsch's thematic catalog of Schubert's works.
16세기 초엽에 독일에서 활약한 화가 한스 발둥 그린(Hans Baldung Grien)의 <죽음과 소녀>라는 그림이 있습니다. 얇은 천으로 아랫도리만 살짝 가린, 거의 알몸의 소녀를 해골 모양의 사신(死神)이 뒤에서 꽉 붙잡고 있습니다. 소녀는 완전히 공포에 질린 모습입니다. 너무나도 두려운 탓에 소녀의 얼굴은 거의 흙빛입니다. 소녀라기보다는 차라리 노인의 얼굴에 가깝습니다.
한데 이 ‘죽음과 소녀’라는 모티브가 세기말에 이르게 되면 완전히 반전된 형태로 나타나지요. 유명한 작품으로는 에드바르트 뭉크(1863-1944)가 1893년에 그린 <죽음과 소녀>가 있습니다. 이 그림의 소녀는 아주 다른 태도를 보여줍니다. 벌거벗은 소녀가 ‘죽음’을 꼭 끌어안고 있습니다. 거의 필사적인 포옹이지요. 살짝 열린 소녀의 입술이 검은 나신(裸身)의 죽음에게 키스해 달라고 애원합니다. 생사(生死)에 대한 시니컬한 응시, 관능과 공포가 동시에 느껴지는 그림입니다. 비슷한 풍의 그림은 20년 뒤쯤에 또 등장합니다. 에곤 실레(1890-1918)가 그린 동명의 작품입니다. 이번에도 역시 마찬가지입니다. 소녀는 필사적으로 죽음을 포옹합니다.
<죽음과 소녀>. (왼쪽부터) 한스 발둥 그린, 에드바르 뭉크, 에곤 실레
‘죽음’과 ‘소녀’는 동떨어진 것처럼 보이는 두 개의 표상이지요. ‘죽음과 노인’은 일상적이지만 ‘죽음과 소녀’는 파격적입니다. 그렇기 때문에 수많은 예술가들이 그 파격적인 모티브를 각자의 방식으로 변주했습니다. 독일의 서정시인 마티아스 클라우디우스(1740-1815)도 그중 한 명이었습니다. 그도 같은 제목의 시를 남겼지요. 그의 시는 소녀와 사신(死神)이 대화를 주고받는 형식으로 이뤄져 있습니다. 그러나 시 속에 등장하는 소녀는 뭉크의 그림처럼 죽음에 매달리지 않습니다. 오히려 그 반대입니다. 그 소녀는 “가세요. 아, 지나가세요. 무서운 죽음이여! 제발 나를 만지지 마세요.”라며 죽음의 유혹을 뿌리치려고 합니다. 하지만 죽음은 소녀를 내버려둘 태세가 아니지요. “네 손을 다오. 아름답고 사랑스런 소녀여! 편안해지거라. 내 품에서 편히 잠들거라.”라며 소녀의 손목을 움켜쥐려고 달려듭니다.
슈베르트는 스무 살이 되던 1817년에 바로 그 시를 가사로 삼아 ‘죽음과 소녀’라는 가곡을 썼습니다. 그리고 7년의 세월이 흐른 1824년에 이 곡의 선율을 마치 자신의 운명처럼 다시금 떠올리게 되지요. 왜 그랬을까요? 당시의 슈베르트가 처한 상황과 심정을 이해하기 위해서는 시계바늘을 좀 더 과거로 되돌려야 할 필요가 있습니다.
스무 살의 슈베르트, 그에겐 과연 무슨 일이?!
156센티미터의 작은 키에 통통한 몸매를 지닌 착하고 여린 슈베르트는 스무 살 무렵부터 가난과 병고에 시달렸습니다. 그는 아버지가 교장으로 있던 학교(요즘 우리가 생각하듯이 크고 번듯한 학교가 아니라 아주 작은 학교였습니다)에서 4년간 보조교사로 일을 하다가 가곡 ‘죽음과 소녀’를 작곡했던 1817년에 아버지의 집을 나옵니다. 그것은 일종의 가출이었지요. 물론 보조교사 일도 때려치웠습니다. 그때부터 그야말로 동가식서가숙하면서 보헤미안의 삶을 살았습니다. 그렇게 떠돌이 신세에 처한 슈베르트에게 잠자리를 제공해줬던 친구가 한 명 있었는데, 그의 이름은 프란츠 폰 쇼버였습니다. 시인이었지요. 슈베르트의 가곡 ‘음악에게(An die Musik)’의 작사가이기도 합니다. 한데 쇼버는 사창가 출입이 꽤나 잦았던 친구였습니다. 자, 그러면 같은 집에서 살게 된 스무 살 무렵의 청년들에게 무슨 일이 있었을까요?
맞습니다. 둘은 함께 사창가를 기웃거렸습니다. 훗날 슈베르트의 사망 원인이 됐던, 매독으로 인한 고통이 그렇게 시작됩니다. 슈베르트는 그 병의 악화 때문에 1823년에 병원 신세를 지게 됩니다. 항생제 치료를 세게 받는 바람에 머리카락은 왕창 빠져버렸고, 심각한 두통에 시달리는 지경에까지 이릅니다. 사태가 그렇게 치닫자 슈베르트는 마침내 자신이 별로 오래 살지 못하리라는 것을 직감합니다. 그렇게 죽음을 예감하면서, 다시금 떠올렸던 음악이 가곡 ‘죽음과 소녀’였던 것이지요.
그 가곡을 모티브 삼아 현악 4중주 <죽음과 소녀>를 작곡한 것은 이듬해였습니다. 이 곡을 쓰고 난 직후에 친구 레오폴트 쿠펠바이저(슈베르트의 유명한 초상화를 그렸던 친구)에게 보낸 편지에 당시의 슈베르트가 어떤 심정이었는지가 잘 나타나 있습니다. “나는 세상에서 가장 불행하고 불쌍한 인간이라네. 건강이 회복될 기미는 안 보이네. … 빛나던 희망도 없어지고 사랑과 우정으로 가득했던 행복이 고통으로 바뀌고 있다네.”
Composition
1823 and 1824 were hard years for Schubert. For much of 1823 he was sick, some scholars believe with an outburst of tertiary stage syphilis, and in May had to be hospitalized.[1] He was also without money: he had entered into a disastrous deal with Diabelli to publish a batch of works, and received almost no payment; and his latest attempt at opera, Fierabras, was a flop. In a letter to a friend, he wrote,
Think of a man whose health can never be restored, and who from sheer despair makes matters worse instead of better. Think, I say, of a man whose brightest hopes have come to nothing, to whom love and friendship are but torture, and whose enthusiasm for the beautiful is fast vanishing; and ask yourself if such a man is not truly unhappy.[2]
Yet, despite his bad health, poverty and depression, Schubert continued to turn out the tuneful, light and gemütlich music that made him the toast of Viennese society: the song cycle Die schöne Müllerin, the octet for string quartet, contrabass, clarinet, horn and bassoon, more than 20 songs, and numerous light pieces for piano.[3]
After 1820, Schubert returned to the string quartet form, which he had last visited as a teenager. He wrote the one-movement Quartettsatz in 1820, and the Rosamunde quartet in 1824 using a theme from the incidental music that he wrote for a play that failed. These quartets are a huge step forward from his initial attempts.[4] Even Schubert recognized this fact; in July 1824, he wrote his brother Ferdinand of his earlier quartets, "it would be better if you stuck to other quartets than mine, for there is nothing in them..."[5] There are several qualities that set these mature quartets apart from Schubert's earlier attempts. In the early quartets, it is primarily the first violin that carries the melody, with the other instruments playing supporting roles; in the later quartets, the part writing is much more advanced, and each instrument brings its own character and presence, for a more complex and integrated texture. Also, the later quartets are structurally much more integrated, with motifs, harmonies, and textures recurring in a way that ties the entire work together.[6]
But beyond these technical improvements, Schubert in these later works made the quartet medium his own. "He had now ceased to write quartets to order, for experimental study, or for the home circle," writes Walter Willson Cobbett. "To the independent artist... the string quartet had now also become a vehicle for conveying to the world his inner struggles."[7] For Schubert, who lived a life suspended between the lyrical, romantic, charming and the dramatic, chaotic, and depressive, the string quartet offered a medium "to reconcile his essentially lyric themes with his feeling for dramatic utterance within a form that provided the possibility of extreme color contrasts," writes music historian Homer Ulrich.[8]
Schubert wrote the D minor quartet in March 1824,[9] within weeks of completing the A minor Rosamunde quartet. He apparently planned to publish a three-set volume of quartets; but the Rosamunde was published within a year, while the D minor quartet was only published in 1831, three years after Schubert's death, by Diabelli.[10] It was first played in January, 1826, at the Vienna home of Karl and Franz Hacker, amateur violinists, apparently with Schubert on the viola.[11]
Inspiration
The quartet takes its name from the lied "Der Tod und das Mädchen", D 531, a setting of a poem of the same name by Matthias Claudius which Schubert wrote in 1817. The theme of the song forms the basis of the second movement of the quartet. The theme is a death knell that accompanies the song about the terror and comfort of death:
The Maiden:
- Oh! leave me! Prithee, leave me! thou grisly man of bone!
- For life is sweet, is pleasant.
- Go! leave me now alone!
- Go! leave me now alone!
Death:
- Give me thy hand, oh! maiden fair to see,
- For I'm a friend, hath ne'er distress'd thee.
- Take courage now, and very soon
- Within mine arms shalt softly rest thee!"[12]
But it is not only this theme of the quartet that recalls death. The quote from the song "makes explicit the overriding theme of the work, its bleak vision and almost unremitting foreboding," writes Andrew Clements.[13] From the violent opening unison. the first movement runs a relentless race through terror, pain and resignation, ending with a dying D minor chord. "The struggle with Death is the subject of the first movement, and the andante accordingly dwells on Death's words," writes Cobbett.[14] After a scherzo movement, with a trio that provides the only lyrical respite from the depressing mood of the piece, the quartet ends with a tarantella – the traditional dance to ward off madness and death. "The finale is most definitely in the character of a dance of death; ghastly visions whirl past in the inexorable uniform rhythm of the tarantella," writes Cobbett.[14]
So strong is the association of death with the quartet that some analysts consider it to be programmatic, rather than absolute music. "The first movement of Schubert's Death and the Maiden string
quartet can be interpreted in a quasi-programmatic fashion, even though it is usually viewed as an abstract work," writes Deborah Kessler.[15] Theologian Frank Ruppert sees the quartet as a musical ｅxpression of Judaeo-Christian religious myths. "This quartet, like so many of Schubert's works,
is a kind of para-liturgy," he writes. Each movement is about a different episode in the mythic process of death and resurrection.
Analysis
The quartet throughout is characterized by sudden dramatic shifts from fortissimo to pianissimo,
from the lyrical to the compelling and dramatic. A driving undercurrent of triplets is a recurring motif in all four movements.[17]
There are four movements:
1악장: 알레그로
1. Allegro
슈베르트는 현악 4중주곡을 모두 15곡 남겼습니다. ‘죽음과 소녀’라는 부제를 가진 14번 D단조는, 죽음을 눈앞에 둔 슈베르트가 클라우디우스의 시에 등장하는 소녀처럼 발버둥치는 모습을 떠올리게 합니다. 이 곡은 마치 베토벤의 ‘운명’을 연상케 하는 강렬한 동기를 제시하면서 문을 열지요. ‘빠~암 빰빰바~’ 하는 이 동기는 전 악장에 걸쳐 반복적으로 등장하면서 ‘죽음에 대한 공포, 혹은 대결’을 형상화합니다. 1악장의 마지막에서는 마치 삶을 체념한 것처럼 스르르 잦아듭니다.
In the 14-measure introduction, Schubert establishes the elements that will carry through the entire movement. The quartet begins with a unison D, played fortissimo, and a triplet figure, that establishes the triplet motif. Three and a half measures of fortissimo break off into a sudden, pianissimo chorale, the first of the many violent shifts of mood that occur throughout.
After the introduction, Schubert presents the first theme: a continuation of the chorale motif, but with the triplets motif rippling through the lower voices, in a restless, unremitting stream.
The triplet motif is transmuted into a connecting theme of its own, leading to the second theme in F major.
The second theme is repeated, with an accompaniment of sixteenth notes.
The sixteenth note passage modulates through a range of keys, finally settling on A major, where it continues as an accompaniment to a restatement of the second theme in the second violin. The exposition ends with a transformation of the second theme, this time wrenched into a violent outburst in A minor.
The development concentrates on the two forms of the second theme: the lilting, quiet version, and the violent inverted form. The section fluctuates between a fading relaxation and fortissimo. Toward the end of the development, Schubert reintroduces the triplet motif of the first theme, leading to the recapitulation.
Here the opening themes return, with variants. The music moves to D major, for a relaxed recapitulation of the second theme, then returns to D minor. A chorale reminiscent of the introduction leads to the coda. But even in the chorale, the tension does not relax, with a sudden fortepiano interrupting the quiet. The opening theme returns, played at a rushed tempo, like a sudden resurgence of life, growing to a climax that suddenly breaks off and the triplet motif, played at the original slower tempo, dies away to the end of the movement.
2악장: 안단테 콘 모토
2. Andante con moto
느린 2악장은 장송곡을 연상케 합니다. 가곡 ‘죽음과 소녀’의 선율을 변주하는 악장입니다. 특히 첫 번째 변주에서, 첼로의 피치카토 위에 얹힌 바이올린 선율이 애잔하기 그지없습니다. 두 번째 변주에서는 바이올린과 첼로가 서로 위치를 바꿉니다. 바이올린이 뒤로 빠지고 첼로가 앞으로 나서면서 또 한 번 슬픈 선율을 노래하지요. 세 번째 변주에서는 리듬이 고조되면서 드라마틱한 분위기를 만들어냅니다. 그 다음 변주에서 다시 템포가 느려지면서 온화하고 낭만적인 선율이 흘러나오지요. 다섯 번째 변주는 짧은 음형을 연주하면서 뭔가 불안하면서도 격렬한 느낌을 짙게 풍깁니다. 바로 이 2악장에서 가곡 ‘죽음과 소녀’의 선율을 사용하고 있어서, 이 현악 4중주는 동명(同名)의 부제를 갖게 됐습니다.
The second movement is a theme and five variations, based on the theme from the Schubert Lied. The theme is like a death march in G minor, ending on a G major chord. Throughout the movement, Schubert does not deviate from the basic harmonic and sentence structure of the 24-measure theme. But each variation expresses a profoundly different emotion.
In the first variation, a lilting violin descant floats above the theme, played in pulsing triplets in the second violin and viola that recall the triplets of the first movement.
In the second variation, the cello carries the theme, with the first violin playing the pulsating role – this time in sixteenth notes.
After two relaxed variations, the third variation returns to the Sturm und Drang character of the overall piece: a galloping fortissimo figure breaks off suddenly into piano; the violin plays a variant of the theme in a high register, while the inner voices continue the gallop.
The fourth variation is again lyrical, with the viola carrying the melody under a long violin line in triplets. This is the only variation in a major key – G major.
In the fifth variation, the second violin takes up the theme, while the first violin plays a sixteenth-note arpeggiated motif, with the cello playing the triplets in the bass. The variation grows from pianissimo to fortissimo, then again fades and slows in pace, finally returning to a restatement of the theme – this time in G major.
3악장: 스케르초. 알레그로 몰토
3. Scherzo. Allegro molto
짧은 3악장은 스케르초 악장답게 템포가 빠릅니다. 힘차게 시작합니다. 슈베르트의 음악에서 종종 보이는, 베토벤의 영향이 상당히 엿보이는 악장이지요. 그러다가 후반부에서 슈베르트적인 선율미로 되돌아옵니다.
Cobbett describes the third movement as the "dance of the demon fiddler".[14] There is indeed something demonic in this fast-paced scherzo, full of syncopations and, like the other movements, dramatic leaps from fortissimo to pianissimo.
The scherzo is designed as a classical minuet: two strains in 3/4 time, repeated, in D minor, followed by a contrasting trio section in D major, at a slower tempo, and ending with a recapitulation of the opening strains. The trio section is the only real respite from the compelling pace of the whole quartet: a typically Schubertesque melody, with the first violin playing a dancing descant above the melody line in the lower voices.
The scherzo is a short movement, serving as an interlude leading to the frenetic last movement.
4악장: 프레스토
4. Presto
4악장은 아예 타란텔라 풍의 춤곡입니다. 질주하는 느낌이 매우 강하지요. 격렬하게 몰아치는 리듬의 반복이 소녀와 죽음의 2인무를 자꾸 떠오르게 만드는 악장입니다. 그런데 이 마지막 악장은 베토벤의 ‘크로이처 소나타’의 마지막과 흡사합니다. D단조로 툭 떨어지면서 막을 내립니다. 질주하다가 추락하는 느낌. ‘죽음과 소녀’의 마지막도 그렇습니다.
The finale of the quartet is a tarantella in rondo-sonata form, in D minor. The tarantella is a breakneck Italian dance in 6/8 time, that, according to tradition, was a treatment for madness and convulsions brought on by the bite of a tarantula spider. Appropriately, Cobbett calls this movement "a dance of death."[14]
The movement is built of sections. The first, main section recurs between each of the subsequent sections.
| The movement opens with the main section of the rondo in unison, with a theme based on a dotted figure. The theme is traditionally bowed in the reverse direction from the usual bowing of dotted passages.[19] This has the effect of moving the accent onto the off-beat, giving the entire passage the character of a limping dance. |
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| The theme develops characteristically, with sudden lurches from loud to soft and running triplets, leading to the second section of the rondo: a broad, chorale-like theme. Cobbett identifies this theme as a quote from another song of Schubert's, Der Erlkönig, about a child who dies at the hands of king of the forest. The terrified child turns to his father for protection, but his father does not see the spirit, and ignores the child's pleas until the child is dead in his arms. "There is deep meaning in the appearance of this phrase," writes Cobbett.[14] The chorale motif continues, with a flowing triplet accompaniment in the first violin that recalls the fourth variation of the Andante movement. This leads to a restatement of the main theme. |
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| Here the triplet motif of the opening of the quartet also reappears, in disguised form. Then the chorale theme recurs, leading to the second statement of the main section.
The third section of the rondo begins. This is a complex, involuted section with chromatic swirls of triplets and hemiolas that cause the listener to lose all sense of downbeat. This leads into a recapitulation of the second section, and then a return of the main section of the rondo. |
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A crescendo leads to the Prestissimo coda of the movement and of the piece. The coda begins in D major, suggesting a triumphant end – a device common in classical and romantic quartets. But in this case, the coda suddenly returns to D minor, for a tumultuous and tragic conclusion.
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Reception
After the initial reading of the quartet in 1826, the quartet was played again at a house concert in the home of composer Franz Lachner, with violinist Ignaz Schuppanzigh leading. Schuppanzigh, one of the leading violinists of the time, who debuted many of Beethoven's and Schubert's quartets, was reportedly unimpressed. "Brother, this is nothing at all, let well alone: stick to your Lieder," the aging Schuppanzigh is reported to have said to Schubert.[20]
Schuppanzigh's impressions notwithstanding, Schubert's quartet soon won a leading place on the concert stage and in the hearts of musicians. only the excellence of such a work as Schubert's D minor Quartet... can in any way console us for the early and grievous death of this first-born of Beethoven; in a few years he achieved and perfected things as no one before him," wrote Robert Schumann of the quartet.[21]
The quartet has been honored by several transcriptions. In 1878, Robert Franz transcribed it for
piano duet, and in 1896 Mahler planned an arrangement for string orchestra and notated the details in a score of the quartet (the work was never completed, however, and only the second movement was written out and played; the modern revival of the arrangement is in a version edited by David Matthews).
In the 20th century, British composer John Foulds and American composer Andy Stein made versions for full symphony orchestra.
At Fridtjof Nansen's state funeral in 1930, Death and the Maiden was performed instead of speeches.
The quartet has also inspired other works. Ariel Dorfman's 1991 play Death and the Maiden, adapted for film in 1994 by Roman Polanski, is about a woman tortured and raped in a South American dictatorship, to the strains of the quartet. It has also appeared as incidental music in numerous films: The Portrait of a Lady (Jane Campion, 1996), What? (Roman Polanski, 1972), Sherlock Holmes and the Case of the Silk Stocking (BBC production, 2004), and in Samuel Beckett's radio play All That Fall (1962).
추천음반
2. 아마데우스 사중주단(Amadeus Quartet), 1958, DG. 앞의 추천음반에서 ‘드라마’에 방점을 찍은 것에 견주자면, 아마데우스 사중주단의 이 녹음에는 ‘빈의 향기’라는 의미를 부여할 수 있겠다. 오스트리아 빈의 작곡가였던 슈베르트의 음악을 빈을 대표하는 사중주단의 연주로 듣는 셈이다. 특징은 절제된 감정 표현, 정갈하고 서정적인 앙상블로 요약할 만하다. ‘세게 질러대는’ 최근의 연주 경향에 비춰 본다면 차분해서 지루할 수도 있다. 하지만 그렇다고 음악적 흥취가 없는 연주는 결코 아니다. 녹음된 지 60년이 지났음에도, 국내의 여러 음반매장에서 여전히 가장 많이 팔리는 슈베르트의 <죽음과 소녀>로 기록되고 있다. 같은 음반에 커플링된 피아노 5중주 ‘송어’도 좋은 연주다. 에밀 길렐스가 피아노를 맡았다.
3. 알반 베르크 사중주단(Alban Berg Quartet), 1984, EMI. 강렬하고 짜릿한 사운드로 <죽음과 소녀>를 맛볼 수 있다. 1악장의 첫 번째 동기부터 압도적인 에너지를 전해준다. 마지막 4악장까지 그 에너지는 변함없이 탱탱하다. 오늘 추천하는 세 장의 음반 가운데 가장 현대적인 표현력을 보여주는 연주라고 할 수 있다. 강약과 완급의 대비를 선명하게 드러내며 드라마틱한 긴장감을 만들어낸다. 그렇다고 앙상블이 거칠 것이라고 생각할 필요는 전혀 없다. 매우 분명한 아티큘레이션을 구현하면서도 치밀한 앙상블로 정평을 얻고 있는 연주다. 이 음반에도 피아노 5중주 ‘송어’가 커플링됐다. 피아노는 엘리자베스 레온스카야가 맡았다. 국내에서 제작한 라이선스 음반이어서 가격이 착하다.
글 문학수 1961년 강원도 묵호에서 태어났다. 까까머리 중학생 시절에 소위 ‘클래식’이라고 부르는 서양음악을 처음 접했다. 청년 시절에는 음악을 멀리한 적도 있다. 서양음악의 쳇바퀴가 어딘지 모르게 답답하게 느껴졌기 때문이다. 게다가 서구 부르주아 예술에 탐닉한다는 주변의 빈정거림도 한몫을 했다. 1990년대에 접어들면서부터 음악에 대한 불필요한 부담을 다소나마 털어버렸고, 클래식은 물론이고 재즈에도 한동안 빠졌다. 하지만 몸도 마음도 중년으로 접어들면서 재즈에 대한 애호는 점차 사라졌다. 특히 좋아하는 장르는 대편성의 관현악이거나 피아노 독주다. 약간 극과 극의 취향이다. 경향신문에서 문화부장을 두 차례 지냈고, 지금은 다시 취재 현장으로 돌아와 음악담당 선임기자로 일하고 있다. 2013년 2월 철학적 클래식 읽기의 세계로 초대하는 <아다지오 소스테누토>를 출간했다.
출처: 문화웹진 채널예스>칼럼>음악>‘내 인생의 클래식 101’ 2012.12.24
http://ch.yes24.com/Article/View/22000
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