Frédéric Chopin - Cello Sonata in G minor

 

Frédéric Chopin  

 

 

Cello Sonata in G minor

00:00 - I. Allegro moderato
15:07 - II. Scherzo. Allegro con brio
19:48 - III. Largo
24:01 - IV. Finale. Allegro

 

Chopin's cello sonata, Op. 65, was his last major work. Apart from the piano, the cello was the only instrument for which Chopin composed substantial amounts of music; in 1832 he had written the Grand Duo Concertant for the cellist Auguste Franchomme. In part because of the presence of the cello, and in greater part because of the formal characteristics of the piece, the composition of the cello sonata occupied Chopin for an unusually long period. He worked on it through 1845 and well into 1846, sketching and drafting as he had not done before, and at one point complaining to his sister, "I write a little and cross out a lot." Extant sketches show that Chopin did indeed discard an incredible amount of material and redrafted most of his ideas before deciding on the final form of the work. The piece was printed in Paris in 1847. Chopin and Franchomme premiered the sonata in Paris to great acclaim, in what was to be the last performance of Chopin's career.

 

Chopin creates relationships among the four movements of the sonata through melodic references. The primary cello motive of the first movement, a rising and falling half-step, opens the lush second movement, the folksy scherzo, and the tarantella finale--further evidence that Chopin was consciously experimenting with German compositional methods. The clear divisions between cello and piano in the second movement contrast with the more integrated use of the instruments in the first movement, while the finale sounds, at times, like Mendelssohn. The end result is a unique, un-Chopinesque work.

 

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Much of Chopin's anguish stemmed from his difficulties in the shaping the relationship between the two instruments. That he mostly composed the cello part first was perhaps at the heart of the matter, for Chopin was forced to curb his keyboard tendencies and remove himself from his natural idiom. It is no surprise that the piano part often sounds uncharacteristic of Chopin. Furthermore, because he chose to engage himself with the Germanic sonata idea, as he had in his piano sonatas, he had to set aside his predilection for ternary forms with codas and achieve contrast and develop logical structures in new and unfamiliar ways.

Chopin takes great care to distribute the material equally between the cello and piano, and he accomplishes this goal in a variety of ways. For instance, in the first group of themes in the first movement we hear passages of piano solo, piano with cello accompaniment, cello with a substantial piano counter-subject, cello with only light piano accompaniment, and counterpoint in which the two partners are equal. After the second group opens with rounded phrases for each instrument, a three-part invention involving both instruments ensues.

 

The Germanic aspect of the movement becomes clear in Chopin's development of an integrated sonata form from a few related motives. Inversion and other transformations of motives from the first

few measures occur even in the exposition. one of the cello's most important motives, a rising and falling half-step, comes not from the main theme but from prefatory material, and what seem like

mere connective gestures evolve into parts of themes. It is not surprising that Chopin moves to the relative major (B flat), but what is striking is his path--a string of dominant-seventh harmonies--

toward this goal. Throughout, Chopin diminishes the punctuating potential of his cadences by writing continuous melody over them, giving a sense of constant growth.

〈첼로 소나타〉는 쇼팽이 열정적으로 사랑하던 연인 조르주 상드와 파국에 치닫고 마침내 이별에 이르는 가장 힘든 시기에 작곡되었다. 이 시기에 쇼팽의 몸은 점점 나빠지고 이후 폐결핵을 앓아 회복하기 힘든 지경에 이른다. 힘든 말년을 보내던 쇼팽에게 〈첼로 소나타〉는 여러 가지 면에서 쉬운 작업이 아니었다. 피아노곡을 주로 작곡하던 그에게 첼로 작품을 작곡하는 일이 쉽지 않은데다가 피아노 소나타 외에 처음으로 다른 악기를 위한 소나타곡을 작곡하는 것 또한 어려운 일이었다. 쇼팽은 작곡할 때 스케치 악보를 별로 그리지 않는 것으로 유명한데, 〈첼로 소나타〉의 경우 유독 많은 수의 스케치 악보를 남겼다. 쇼팽은 여동생에게 “작곡한 양이 별로 안 되는데도 거의 지워버렸어. 작곡할 때 가끔은 즐겁지만 가끔은 괴로워. 악보를 구석에 던져버렸다가 종종 다시 잡아들곤 하지”라며 〈첼로 소나타〉 작곡의 고충을 토로하기도 하였다. 이렇게 각고의 노력 끝에 탄생한 〈첼로 소나타〉는 쇼팽의 절친한 친구인 첼리스트 오귀스트 프랑숌(Auguste Joseph Franchomme)에게 헌정되었고, 1848년 프랑스 파리에서 열린 쇼팽의 마지막 공개 연주회에서 친구와 함께 직접 연주하였다.. 

▲ (좌)오귀스트 샤르팡티에, 조르주 상드 초상화(1838)   (우)오귀스트 프랑숌 초상화

1848년 열린 쇼팽의 마지막 공개 연주회에서 〈첼로 소나타〉는 1악장을 제외한 나머지 3악장만 연주되었다. 쇼팽은 이 연주회에 앞서 친구들 앞에 〈첼로 소나타〉를 먼저 선보였는데, 이 때 대다수 친구들이 1악장에 대해 “쇼팽스럽지 않다, 너무 많고 부담스러우며 명확하지 않다”는 평을 남겼다고 한다. 친구들의 평에 영향을 받아 초연 무대에서 1악장을 연주하지 않았을 정도로 1악장은 쇼팽의 음악 스타일과는 거리가 멀다. 그러나 〈첼로 소나타〉는 새로운 쇼팽의 음악적 면모를 볼 수 있는 점에서 의미가 있는 작품이다. 1악장은 g단조의 어둡고 가라앉은 분위기에서 피아노가 먼저 주제를 연주하는데, 첼로와 피아노가 계속 주제를 주고받으며 끊임없는 대화를 나눈다. 스케르초는 원래 경쾌하고 발랄한 분위기를 가진 양식이지만 여기서 2악장 스케르초는 우울한 d단조로 시작한다. 곧 경쾌하고 발랄한 D장조로 이어지는데 혼돈 속에 꿈을 꾸는 것 같은 따사로운 분위기는 3악장의 느린 라르고까지 이어진다. 3악장 라르고에서는 피아노의 반주 위에 첼로가 유려하고 아름다운 선율을 그린다. 4악장 알레그로는 론도 형식으로 주제가 계속 반복되다가 G장조로 밝고 힘차게 마무리한다. 첼로, 피아노 두 악기의 끊임없는 대화가 대위법적으로 겹쳐지고 1악장에서 등장한 반음계를 오르내리는 주제 모티브가 다른 악장에서도 지속적으로 등장하여 작품의 일관성을 부여한다. 아름다운 선율과 풍부한 화성을 자유자재로 사용하는 쇼팽의 모습 보다는 두 악기 간의 치밀하고 끈질긴 대화를 통해 곡을 관통하는 쇼팽의 노력은 말년의 쇼팽이 가졌던 고뇌의 깊이를 느끼게 한다.

▲ 테오필 크비아트콥스키, 쇼팽의 마지막 순간(1849~1850)ⓒ Wikimedia Commons | Public